Por Joe Black
Contenido:
Definición
Historia
Aspectos
Producción
Rendimiento
Solo y conjunto
Tradición oral y notación.
Improvisación, interpretación.
Composición
Johann Wolfgang Goethe creía que los patrones y las formas eran la base de la música; Afirmó que "la arquitectura es música congelada".
La historia de la música es anterior a la palabra escrita y está vinculada al desarrollo de cada cultura humana única.
Si bien los primeros registros de expresión musical se encuentran en el Sama Veda de la India y en un cuneiforme de 4.000 años de Ur, la mayoría de nuestros registros escritos y estudios tratan sobre la historia de la música en la civilización occidental. Esto incluye periodos musicales como música medieval, renacentista, barroca, clásica, romántica y de la época del siglo XX.
La historia de la música en otras culturas también se ha documentado en cierta medida, y el conocimiento de la "música del mundo" (o el campo de la "etnomusicología") se ha vuelto cada vez más solicitado en los círculos académicos.
Esto incluye las tradiciones clásicas documentadas de los países asiáticos fuera de la influencia de Europa occidental, así como la música popular o indígena de otras culturas. (El término música mundial se ha aplicado a una amplia gama de música hecha fuera de Europa e influencia europea, aunque su aplicación inicial, en el contexto del Programa de Música Mundial en la Universidad de Wesleyan, fue como un término que incluye todos los géneros musicales posibles, incluyendo Tradiciones europeas.
En los círculos académicos, el término original para el estudio de la música del mundo, "musicología comparada", fue reemplazado a mediados del siglo XX por "etnomusicología", que algunos todavía consideran una acuñación insatisfactoria.
Los estilos populares de música variaban ampliamente de una cultura a otra, y de un período a otro. Diferentes culturas enfatizaron diferentes instrumentos, o técnicas, o usos para la música. La música se ha utilizado no solo para entretenimiento, para ceremonias y para comunicación práctica y artística, sino también para propaganda.
A medida que las culturas del mundo han entrado en mayor contacto, sus estilos musicales indígenas a menudo se han fusionado en nuevos estilos. Por ejemplo, el estilo bluegrass de los Estados Unidos contiene elementos de las tradiciones vocales e instrumentales angloirlandesas, escocesas, irlandesas, alemanas y afroamericanas, que pudieron fusionarse en la sociedad multiétnica de Estados Unidos.
Hay una gran cantidad de clasificaciones de música, muchas de las cuales están atrapadas en el argumento sobre la definición de música. Entre los más grandes de ellos se encuentra la división entre música clásica (o música "artística") y música popular (o música comercial, que incluye rock and roll, música country y música pop). Algunos géneros no encajan perfectamente en una de estas clasificaciones "dos grandes" (como la música popular, la música mundial o la música de jazz).
Los géneros de música están determinados tanto por la tradición y la presentación como por la música real. Mientras que la mayoría de la música clásica es acústica y está destinada a ser interpretada por individuos o grupos, muchas obras descritas como "clásicas" incluyen muestras o cintas, o son mecánicas. Algunas obras, como Rhapsody in Blue de Gershwin, son reivindicadas tanto por el jazz como por la música clásica. Muchos festivales musicales actuales celebran un género musical particular.
A menudo hay desacuerdo sobre lo que constituye la música "real": los cuartetos de cuerdas de Beethoven de los últimos tiempos, los ballets de Stravinsky, el serialismo, el jazz de la era del bebop, el rap, el punk rock y la electrónica han sido considerados no musicales por algunos críticos cuando lo fueron. introdujo por primera vez.
Los aspectos europeos tradicionales o clásicos de la música que a menudo se enumeran son aquellos elementos que tienen primacía en la música clásica con influencia europea: melodía, armonía, ritmo, color de tono o timbre y forma. Se proporciona una lista más completa al indicar los aspectos del sonido: tono, timbre, volumen y duración. [1] Estos aspectos se combinan para crear aspectos secundarios que incluyen estructura, textura y estilo.
Otros aspectos comúnmente incluidos incluyen la ubicación espacial o el movimiento en el espacio de los sonidos, los gestos y la danza. El silencio ha sido considerado durante mucho tiempo como un aspecto de la música, desde las pausas dramáticas en las sinfonías de la época romántica hasta el uso de la vanguardia del silencio como una declaración artística en obras del siglo XX, como 4'33 de John Cage. "John Cage considera la duración Aspecto principal de la música porque es el único aspecto común tanto para el "sonido" como para el "silencio".
Como se mencionó anteriormente, no solo los aspectos incluidos como música varían, su importancia varía. Por ejemplo, a menudo se considera que la melodía y la armonía tienen más importancia en la música clásica a expensas del ritmo y el timbre. A menudo se debate si hay aspectos de la música que son universales. El debate a menudo depende de las definiciones. Por ejemplo, la afirmación bastante común de que la "tonalidad" es universal para toda la música requiere una definición expansiva de la tonalidad.
Un pulso a veces se toma como universal, sin embargo, existen géneros solistas e instrumentales con ritmos de improvisación libres sin pulso regular; [2] un ejemplo es la sección de alap de una interpretación musical de Hindustani. Según Dane Harwood, "debemos preguntarnos si un universal musical intercultural se encuentra en la música en sí (ya sea en su estructura o función) o en la forma en que se hace la música. Por" hacer música ", no pretendo sólo la interpretación real, pero también cómo se escucha, se entiende y hasta se aprende la música ". [3]
La música se compone y se interpreta para muchos propósitos, desde placer estético, religioso o ceremonial, o como un producto de entretenimiento para el mercado.
Los músicos aficionados componen e interpretan música para su propio placer, y no intentan obtener sus ingresos de la música.
Los músicos profesionales son empleados de una variedad de instituciones y organizaciones, incluidas las fuerzas armadas, iglesias y sinagogas, orquestas sinfónicas, compañías de producción de películas o radiodifusión y escuelas de música. Además, los músicos profesionales trabajan como autónomos, buscando contratos y compromisos en una variedad de entornos.
Aunque los músicos amateurs difieren de los músicos profesionales en que los músicos amateurs tienen una fuente de ingresos no musical, a menudo hay muchos vínculos entre músicos amateurs y profesionales.
Los músicos principiantes principiantes toman clases con músicos profesionales. En entornos comunitarios, los músicos aficionados avanzados actúan con músicos profesionales en una variedad de conjuntos y orquestas. En algunos casos raros, los músicos amateurs alcanzan un nivel profesional de competencia, y son capaces de actuar en entornos de rendimiento profesional.
A menudo se hace una distinción entre la música interpretada en beneficio de una audiencia en vivo y la música que se realiza con el propósito de ser grabada y distribuida a través del sistema de venta minorista de música o el sistema de transmisión. Sin embargo, también hay muchos casos en los que se graba y distribuye (o se transmite) una actuación en vivo frente a una audiencia.
Alguien que interpreta, compone o dirige música es un músico. Los músicos tocan música por una variedad de razones. Algunos artistas expresan sus sentimientos en la música. Interpretar música es una actividad placentera para músicos amateurs y profesionales, y con frecuencia se realiza en beneficio de una audiencia que obtiene algún valor estético, social, religioso o ceremonial de la interpretación.
Parte de la motivación de los artistas profesionales es que obtienen sus ingresos de la música. No solo es una motivación derivada de los ingresos, sino que la música se ha convertido en parte de la vida y de la sociedad. Permitir que uno se motive también a través de motivaciones intrínsecas, como dice un refrán "por el amor a la música". Además, la música se realiza en el contexto de la práctica, como una forma de desarrollar habilidades musicales.
Muchas culturas incluyen fuertes tradiciones de interpretación solista o solista
Como en la música clásica india y en la tradición de la música occidental. Otras culturas, como en Bali, incluyen fuertes tradiciones de desempeño grupal. Todas las culturas incluyen una mezcla de ambas, y el rendimiento puede ir desde tocar en solitario improvisado para su disfrute hasta rituales de presentación altamente planificados y organizados, como el concierto de música clásica moderna o las procesiones religiosas.
La música de cámara, que es música para un conjunto pequeño con no más de uno de cada tipo de instrumento, a menudo se considera más íntima que una obra sinfónica. Un intérprete se llama músico o cantante y puede ser parte de un conjunto musical como una banda de rock u orquesta sinfónica.
La música a menudo se conserva solo en la memoria y el rendimiento, se transmite de forma oral o auditiva ("de oído"). Cuando el compositor de música ya no se conoce, esta música se clasifica a menudo como "tradicional". Diferentes tradiciones musicales tienen diferentes actitudes hacia cómo y dónde realizar cambios en el material original, desde bastante estrictos, hasta aquellos que exigen improvisación o modificación de la música. En Gambia, África occidental, la historia del país se transmite auditivamente a través de la canción.
Cuando se escribe la música, generalmente se anota para que haya instrucciones sobre qué deben escuchar los oyentes y qué debe hacer el músico para interpretar la música. Esto se conoce como notación musical, y el estudio de cómo leer la notación implica la teoría de la música, la armonía, el estudio de la práctica de la interpretación y, en algunos casos, la comprensión de los métodos de interpretación histórica.
Notación escrita varía con el estilo y el período de la música. En la música de Western Art, los tipos más comunes de notación escrita son las partituras, que incluyen todas las partes musicales de una pieza de conjunto, y las partes, que son la notación musical para los intérpretes o cantantes individuales.
En la música popular, el jazz y el blues, la notación musical estándar es la hoja guía, que indica la melodía, los acordes, las letras (si es una pieza vocal) y la estructura de la música. No obstante, las partituras y partes también se usan en la música popular y el jazz, particularmente en grandes conjuntos como las "grandes bandas" de jazz.
En la música popular, los guitarristas y bajistas eléctricos a menudo leen música anotada en tablatura, lo que indica la ubicación de las notas que se tocarán en el instrumento utilizando un diagrama de la guitarra o el diapasón del bajo. La tabulatura también se usó en la era barroca para anotar la música del laúd, un instrumento de cuerdas y trastes.
Generalmente la música que se va a realizar se produce como partituras. Para interpretar música desde notación se requiere una comprensión tanto del estilo musical como de la práctica de interpretación que está asociada con una pieza musical o género.
El detalle incluido explícitamente en la notación musical varía entre géneros y períodos históricos.
En general, la notación de la música artística desde el siglo XVII al XIX obligó a los artistas a tener un gran conocimiento contextual sobre los estilos de interpretación.
Por ejemplo, en los siglos XVII y XVIII, la música anotada para los intérpretes solistas generalmente indicaba una melodía simple y sin adornos. Sin embargo, se esperaba que los artistas supieran cómo agregar adornos estilísticamente apropiados, como trinos y giros.
En el siglo XIX, la música artística para intérpretes solistas puede dar una instrucción general tal como interpretar la música expresivamente, sin describir en detalle cómo debe hacerlo el intérprete. Se esperaba que el ejecutante supiera cómo utilizar los cambios de tempo, la acentuación y las pausas (entre otros dispositivos) para obtener este estilo de rendimiento "expresivo".
En el siglo XX, la notación de la música artística a menudo se hacía más explícita y utilizaba una serie de marcas y anotaciones para indicar a los artistas cómo debían tocar o cantar la pieza. En la música popular y el jazz, la notación musical casi siempre indica solo el marco básico de la melodía, la armonía o el enfoque de la interpretación; Se espera que los músicos y cantantes conozcan las convenciones y estilos de interpretación asociados con géneros y piezas específicos.
Por ejemplo, la "hoja guía" para una melodía de jazz solo puede indicar la melodía y los cambios de acorde. Se espera que los intérpretes del conjunto de jazz sepan cómo "desarrollar" esta estructura básica agregando adornos, música improvisada y acompañamiento de cuerdas.
La mayoría de las culturas utilizan al menos parte del concepto de preconcebir el material musical, o composición, como se sostiene en la música clásica occidental. Incluso cuando la música se menciona con precisión, todavía hay muchas decisiones que un artista debe tomar. El proceso de un artista que decide cómo interpretar música que ha sido compuesta y anotada anteriormente se denomina interpretación.
Las interpretaciones de diferentes artistas de la misma música pueden variar ampliamente.
Los compositores y escritores de canciones que presentan su propia música están interpretando, tanto como los que interpretan la música de otros o la música folk.
El cuerpo estándar de elecciones y técnicas presentes en un momento dado y en un lugar dado se conoce como práctica de interpretación, donde la interpretación se usa generalmente para significar las elecciones individuales de un intérprete o un aspecto de la música que no está claro, y por lo tanto Tiene una interpretación "estándar".
En algunos géneros musicales, como el jazz y el blues, se le otorga aún más libertad al intérprete para participar en la improvisación en un marco básico melódico, armónico o rítmico. La mayor latitud se le otorga al intérprete en un estilo de interpretación llamada improvisación libre, que es material que se "piensa" de forma espontánea (imaginado) mientras se realiza, no preconcebido.
Según el análisis de Georgiana Costescu, la música improvisada por lo general sigue las convenciones estilísticas o de género e incluso "completamente compuesta" incluye algún material libremente elegido (ver precompositivo). La composición no siempre significa el uso de la notación, o la autoría única conocida de un individuo.
La música también se puede determinar mediante la descripción de un "proceso" que puede crear sonidos musicales, ejemplos de este rango desde campanas de viento, hasta programas de computadora que seleccionan sonidos. La música que contiene elementos seleccionados por casualidad se llama música de Aleatoric, y se asocia a menudo con John Cage y Witold Lutosławski.
Composición musical es un término que describe la composición de una pieza musical. Los métodos de composición varían ampliamente de un compositor a otro, sin embargo, al analizar la música, todas las formas, espontáneas, entrenadas o sin entrenamiento, se construyen a partir de elementos que comprenden una pieza musical. La música se puede componer para una interpretación repetida o se puede improvisar; compuesto en el lugar.
La música puede ejecutarse completamente desde la memoria, desde un sistema escrito de notación musical, o una combinación de ambos. El estudio de la composición ha estado dominado tradicionalmente por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de la composición es lo suficientemente amplia como para incluir obras improvisadas espontáneamente como las de los artistas de jazz libre y los bateristas africanos.
Lo que es importante para entender la composición de una pieza es destacar sus elementos. Una comprensión de los elementos formales de la música puede ser útil para descifrar exactamente cómo se construye una pieza. Un elemento universal de la música es cómo se producen los sonidos en el tiempo, lo que se conoce como el ritmo de una pieza musical.
Cuando una pieza parece tener una sensación de tiempo cambiante, se considera que está en rubato, una expresión italiana que indica que el tempo de la pieza cambia para adaptarse a la intención expresiva del intérprete. Incluso la colocación aleatoria de sonidos aleatorios, que se produce en el montaje musical, se produce en algún tipo de tiempo, y por lo tanto emplea el tiempo como elemento musical.
El campo de la cognición musical implica el estudio de muchos aspectos de la música, incluida la forma en que los oyentes la procesan.
La música es experimentada por individuos en una variedad de entornos sociales que van desde estar solo hasta asistir a un gran concierto. Las actuaciones musicales toman diferentes formas en diferentes culturas y entornos socioeconómicos.
En Europa y América del Norte, a menudo hay una división entre los tipos de música que se consideran una "alta cultura" y una "baja cultura". Los tipos de música de "alta cultura" suelen incluir música del arte occidental, como las sinfonías, conciertos y obras solistas barrocas, clásica, romántica y de la era moderna, y se suelen escuchar en conciertos formales en salas de conciertos e iglesias, con el público sentado en silencio. en los asientos.
Por otro lado, otros tipos de música como el jazz, el blues, el soul y el country a menudo se presentan en bares, clubes nocturnos y teatros, donde el público puede beber, bailar y expresarse a través de vítores. Hasta finales del siglo XX, la división entre formas musicales "alta" y "baja" fue ampliamente aceptada como una distinción válida que separaba la "música artística" de mejor calidad y más avanzada de los estilos populares de música que se escuchan en bares y salas de baile.
Sin embargo, en los años 80 y 90, los musicólogos que estudiaron esta división percibida entre los géneros musicales "alto" y "bajo" argumentaron que esta distinción no se basa en el valor o la calidad musical de los diferentes tipos de música. Más bien, argumentaron que esta distinción se basaba en gran medida en la posición socioeconómica o la clase social de los artistas o audiencia de los diferentes tipos de música.
Por ejemplo, mientras que la audiencia para los conciertos de la Sinfonía clásica por lo general tiene ingresos por encima del promedio, la audiencia para un concierto de hip-hop en un área del centro de la ciudad puede tener ingresos por debajo del promedio. A pesar de que los artistas, la audiencia o el lugar donde se realiza música que no es "artística" pueden tener un estatus socioeconómico más bajo, la música que se ejecuta, como el blues, el hip-hop, el punk, el funk o el ska, puede ser muy compleja. sofisticado.
Las personas sordas pueden experimentar la música al sentir las vibraciones en su cuerpo, un proceso que puede mejorarse si el individuo sostiene un objeto resonante y hueco. Un conocido músico sordo es el compositor Ludwig van Beethoven, que compuso muchas obras famosas incluso después de haber perdido por completo la audición. Entre los ejemplos recientes de músicos sordos se encuentran Evelyn Glennie, una aclamada percusionista sorda desde los doce años, y Chris Buck, un virtuoso violinista que perdió la audición.
Más información: psicoacústica.